2013-05-24T11:35:44Z Yannick Chapuis Copyright 2013, Yannick Chapuis SPHPBLOG [link] buscando el pabellón efímero que, cada año, un arquitecto famoso construye para esta sala de exposiciones situada en Hyde Park. Busco, busco, y no encuentro. El autor es el despacho holandés MVRDV (la vanguardista firma encargada del Edificio Mirador de Madrid, entre otros). Apenado, descubro que no se ha construido por ser inviable (intentaban hacer una montaña artificial que cubriera la galería), vamos, que más que caro era impagable.

Este año le toca a Frank Gehry (ya no sé si decir el Dios de la arquitectura porque luego os enfadáis conmigo), como en otras ediciones les tocó a Álvaro Siza, Daniel Libeskind, Zaha Hadid o Rem Koolhas. El pabellón temporal de la galería Serpentine de Londres ha abierto esta semana y permanecerá hasta el 19 de octubre.

Gehry invoca el espíritu de los jardines ingleses tradicionales. "Estaba pensando en las fiestas de jardín, en la calidez de la madera de las vetas en los pabellones del jardín", señala. También se ha inspirado en las catapultas de madera diseñadas por Leonardo da Vinci, así como en las paredes veteadas de las cabañas de playa, y yo añadiría, en su casa-gallinero de Los Ángeles. Sugirió que la forma del edificio era una reacción a la proliferación de los edificios diseñados por ordenador: "Hoy, gran parte de la arquitectura está diseñada por ordenador... Veo formas reconocibles de algunos de esos programas así que, quizá de alguna manera, es una clase de reacción, pero no una reacción de enfado".

El pabellón 2008 de la Galería Serpentine [link], ha sido diseñado en una estructura de vigas de madera que actúa como una calle urbana desde el parque hasta la galería en sí. Dentro del pabellón, doseles de cristal colgados desde la estructura de madera para proteger el espacio interior del viento y la lluvia, y dando sombra en los días de sol. El edificio es como un anfiteatro, un lugar de actuaciones de música y arte. Mientras los visitantes caminan a través del él, tienen acceso a las gradas en ambos lados de la "calle". Además de las gradas, hay dos zonas elevadas accesibles alrededor del perímetro del pabellón. Estas zonas sirven como marcadores visuales encerrando la la calle y son utilizadas como miradores privados o zonas para comer. Estos elementos, aparentemente aleatorios, hacen de él un lugar mutable para la reflexión y la relajación -durante el día- y para la conversación y las actuaciones durante la noche.

Siendo -como soy- admirador de algunos proyectos de este arquitecto, no puedo decir que su primer proyecto en Inglaterra me apasione. No. Todos tenemos altibajos. Nunca llegaré a decir que es un mal Enric Miralles como he leído o que parece un proyecto de estudiantes (con la cantidad de estudiantes geniales que hay). Lo que es seguro, es que será un proyecto 100% Gehry en el aspecto presupuestario. ¿Apostamos algo?

[Para los fans de los "making of", no dejéis de ver el video de su construcción].

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry080724-101837 2008-07-24T00:00:00Z 2008-07-24T00:00:00Z
El nuevo logo (el primer fracaso del XVI Congreso) ha sido rediseñado por el Ilustrísimo Señor Don José Antonio Bermúdez de Castro. Para saber más del Ilustrísimo -es diputado- visitar su pagina familiar: www.bermudezdecastro.net [link]. Una sugerencia -más que gratis, desinteresada- a Mariano Rajoy: nadie gana con un logo malo, bueno, menos google, pero eso es otra historia. Mi consejo: la próxima vez, llamen a un profesional.




Si la cuestión era convertir su imagen en una especie de señal de trafico, su hombre era Taku Satoh [link]. Este estudio japonés ha realizado la imagen del centro de diseño 21_21 -por cierto, obra de Tadao Ando- ironizando con las placas que numeran las calles en Japón. Un buen ejemplo a imitar. Si, en cambio, el objetivo era dar nuevos aires a la gaviota y valorar el 'made in spain', podían haber encargado el rediseño a Isidro Ferrer. Como ejemplo de lo que es capaz de hacer con un animalito: el caballo del Ayuntamiento de Huesca [link]. Un icono histórico que cabalga -de nuevo- por el s.XXI de la mano de este Premio Nacional de Diseño. Un antecedente: el partido socialdemócrata sueco [link], después de un estrepitoso fracaso en las elecciones de 1991 contrató a nuestro Xavier Mariscal. Con nuevo logotipo, barrieron en la siguiente cita con las urnas en 1994.

Después del susto (por el logotipo) no me quedó más remedio que lanzarme a la calle perseguido como Rod Taylor por los pajarracos. Esquivándolos, fui a dar con la exposición 'Editing Originality' que está en la galería de Betty Guereta -aunque bien podía estar en un museo-. Esta galerista madrileña ha reunido 18 artistas que han mostrado su obra en formato libro. Te encuentras algún Matisse, un Tàpies, un Barceló... También los grabados de los hermanos Chapman con sus monstruitos que te dan ganas de adoptar -a sus monstruitos, claro- hechos sobre una serie de grabados de 'Los desastres de la Guerra' de Goya. Su aportación consistió en hacerse con dichos grabados -una edición de 1941 publicada por la Calcografía Nacional con las planchas originales- para manipularlos transformando algunos de los personajes, pero con una sutileza tal, que parecen realizados por el mismísimo Goya.

Y si de belleza se trata -había mucha en esa exposición- habría que destacar también las telas impresas y encajes de Louise Bourgeois que componen sus dos espectaculares ejemplares. Pero, para mí, la obra maestra de la exposición, es un libro de Olafur Eliasson que representa la maqueta de una casa hecha en papel recortado con láser y que va cambiando su estructura -tridimensional- a medida que se van pasando las páginas. No hay mejor antídoto, ante el "horror", que una buena dosis de belleza. Y ya lo he dicho, en esta exposición hay mucha.



]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry080616-125854 2008-06-16T00:00:00Z 2008-06-16T00:00:00Z [link] de Copenhague a conocer lo más nuevo (y sorprendente) de la ciudad, su gastronomía. Y como el hambre va apretando, Pedro no aparece y mis pies hace horas que me piden una tregua, la idea de parar para comer se me antoja más que tentadora.

Durante los últimos 5 años ha habido un cambio en las cocinas danesas. Los jóvenes chefs -muchos de los cuales han sido aprendices en las mejores cocinas del extranjero- han vuelto a Dinamarca con ideas novedosas y esperanzas de elevar la cocina de su país. Sus esfuerzos han sido recompensados. En 2008, la Guía Michelin les ha concedido 12 estrellas (más que a Noruega y Finlandia juntas). Ésto es sólo el principio. La lista de fogones triunfadores, no para de crecer. La clave del éxito: la suma de una excelente cocina con una maestría suprema en el diseño (como no podía ser menos en esta ciudad).

De entre todos, merece la pena una mención especial para dos de ellos de estilos (y precios) totalmente diferentes.


Noma [link]

Ocupa un antiguo almacén de ladrillo del s.XVIII, con vigas vistas, paredes que no disimulan el paso de los años (hay tanta belleza en sus desconchones...) y suelos de madera sin tratar. Los platos son parte de esta decoración, con detalles estéticos controlados al milímetro.

Sus platos, elaborados por Rene Redzepi (embajador de la nueva cocina nórdica y firme candidato a sustituir a Adriá como maestro indiscutible de la innovación culinaria) con técnicas evolucionadas de El Bulli y de French Laundry (California) y sus ingredientes, entre los que destacan los productos traídos de lugares como Groenlandia e Islandia, han conseguido 2 estrellas Michelin para este restaurante. Un consejo: ten cuidado con el menú de vinos si no tienes planeado volver al hotel a cuatro patas. Cada plato se acompaña de un vino diferente y advierto que el menú degustación se compone de muchos platos. El que avisa...

Después de comer, cómo no, el café ¿Dónde? Pues tienen destinada una zona para tal acontecimiento con sofás y mesas bajas (también de diseño danés, of course), es el lugar en el que te vas preparando psicológicamente para pagar. Si ya cuentas con los servicios de un especialista de la mente que te ayude en tu vida diaria, la hora del café es estupenda para sacar el teléfono y hacerle una llamadita (ya se sabe que los golpes duros, con apoyo profesional se llevan mejor). Si no cuentas con ese complemento, entra en el baño, mientras te desahogas, puedes regodearte en los detalles. Y no sé si será la luz tenue de una vela, el tacto de las toallas de algodón, su lavabo o la factura que te está esperando fuera para ser pagada, pero el caso es que no tienes ganas de salir de ahí (es posible también, que después de los vinitos, no encuentres el pomo de la puerta).

A tener en cuenta: Si tienes ocasión de visitar Copenhague, no dejes de pasar por aquí. Eso sí, reserva con más de un mes de antelación y empieza a ahorrar.





Karriere [link]

Nueva York ya no es el único lugar donde el distrito de la carne se vuelve más 'cool' a cada minuto que pasa (New York Times dixit).

Karriere es un café, restaurante y bar situado en Flaesketorvet, en Copenhague. Una antigua nave industrial, da lugar a uno de los lugares más interesantes de la ciudad.

Pasan del diseño escandinavo, aquí los protagonistas, además de su cocina, son los objetos creados por artistas de prestigio internacional, que van desde las mesas de café (de FOS) hasta un chill-out (de nombre Aaaaaah! y diseñado por el brasileño Ernesto Neto), pasando por las lámparas (de Olafur Eliasson) y los baños (diseñados por Gardar Eide Einarsson y Robert Stadler). En este lugar -como si de una sala del MOMA de Nueva York se tratase- el arte es una parte natural del entorno, se funde con la comida, la bebida, y la gente, en forma de música, luces o instalaciones.

Si optas por ir a cenar, ten en cuenta que allí se vive más temprano ¿crees que esto no tiene importancia? Pues prueba a ir un poco tarde y ya verás... Mientras tú estás saboreando la penúltima cucharada de tu postre, puedes ser testigo directo de cómo el restaurante donde has estado cenando, se ha convertido delante de tus ojos y en cuestión de minutos, en un bar de copas. La música sube de tono, las luces bajan y el local se llena hasta los topes.

Imprescindible: No te puedes ir sin tomar alguno de los cócteles que preparan los mejores barmans de la ciudad.

PIE DE BLOG: Otras visitas merecedoras de ampollas en los pies en busca del genuino diseño danés son las tiendas Hay [link] y Normann [link], donde, a pesar de la globalización que domina todos los rincones del planeta, podrás seguir encontrando el auténtico 'Made in Denmark'.






]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry080604-115911 2008-06-04T00:00:00Z 2008-06-04T00:00:00Z [link], de 35 años, de profesión productor musical...¡No! Sigue sin ser exacto. Pharrell, de 35 años, de profesión...Diseñador. Ahora sí. Pharrell Williams, nacido en Virginia (USA) es todo eso (rapero, cada vez menos, productor -aunque Madonna le debe odiar tras las críticas recibidas de su última colaboración- y, sobre todo, diseñador). Y , perdón, se me olvidaba, "mesías".

¿Que no me creen? Lean: "Algunas veces, nosotros, como humanos, permanecemos momentáneamente en confusión. Caminando en la búsqueda del verdadero y puro amor a través de un compromiso de monogamia duradera contra todo lo frívolo y lo superficial, contra la lujuria superficial. Necesitamos más. Algo que merezca estimulación", ¿me creen? Pues hay más: "Al final del día, todos necesitamos que nos recuerden algo que sabemos que es verdad, que el amor verdadero, como opuesto al amor comercializado, existe en una enorme gama y profundidad". Y toda esta filosofía, para vender una silla.

Les presento a 'Perspective'. Diseñada por Pharrell en colaboración con Domeay & Pérès, los cuales la fabricaron y fabricarán las siguientes. La silla, así como otra silla y una mesa, serán parte de una exhibición en París en la galería del prestigioso Emmanuel Perrotin [link]. La exposición será desde el 21 de octubre de 2008 hasta el 10 de enero de 2009. Las piezas estarán disponibles en varios colores y sólo se venderán 4 de cada uno. Esta obra representa el amor entre un hombre y una mujer. Yo no sé qué decir, pero Pharrell insiste: "Me encanta el profundo concepto intelectual que hay detrás, casi me recuerda a Adán y Eva. Mi última obra transporta el último y más importante mensaje. Como el poder del amor verdadero".

No sé si es monógamo con una mujer, pero no lo es con su otro u otros amores: la ropa y las joyas. Es un polígamo confeso. No es ni fiel a la marca que él mismo creó 'Billionaire boys club and Ice cream' [link].Y su última conquista es la colección de joyas para Louis Vuitton que ha llamado 'Blason'. Una colección que sigue a la mítica 'Charms' creada en 2001 por Marc Jacobs cuando Louis Vuitton se aventuró por primera vez en el mundo de la joyería.

'Blason' es la última colección de la casa francesa y ha sido diseñada por Pharrell Williams en colaboración con Camille Miceli. Y está construida en torno a cuatro temas. Nos quedamos con el último, la línea 'Rock on Cherub', que revisita las fuentes de la belleza. Y transcribo textualmente de su carpeta de prensa: "El ángel -protagonista de esta línea- de Louis Vuitton, estudio de la armonía barroca, toma sus encantadores rasgos de los querubines de Rafael. El ángel decora un anillo con diamantes y embellece el romántico brazalete, 'Toi et Moi'. Con gracia infinita el ángel nos recuerda que la magia está siempre en la punta de nuestros dedos...".

Alguien puede pensar que el antiguo rapero se toma poco en serio su nueva profesión, pero en ella triunfa como lo hizo con su disco 'In my mind' o canciones como 'Drop It Like It's Hot'. El ejemplo: Las gafas de sol que diseñó para Louis Vuitton han sido un éxito. La clave: reflejar a la perfección la personalidad y el estilo de la estrella estadounidense. Volviendo a su silla, ¿será un éxito? ¿Pasará a la historia del diseño? La respuesta: sí, a lo primero y dudas, más que razonables a lo segundo. Y en mi estudio, ven la silla, y me preguntan: ¿que tiene que ver la monogamia con el sexo anal?


]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry080602-115005 2008-06-02T00:00:00Z 2008-06-02T00:00:00Z [link] de 1987) se llama Ten Key [link]. Fue un amor a primera vista. Roja (de color, no de ideología) y con teclas como un antiguo ordenador. Vamos irresistible.

Detrás de este buen diseño está la creatividad de un estudio con base en Londres, con un nombre que es toda una declaración de intenciones 'Industrial Facility' [link]. Tienen el objetivo de hacer diseños innovadores pero que no necesariamente tienen que ser glamurosos o revolucionarios. Su historia comienza en 2002, cuando Sam Hecht y Kim Colin empiezan a trabajar juntos. La pareja se convirtió en trío cuando se unió a ellos Ippei Matsumoto.

Se sienten cómodos haciendo objetos simples y cotidianos. Todos los que nos acompañan a diario y a los que no prestamos atención, un cepillo para el baño, pomos para las puertas, una cafetera... En 6 años han trabajado para una impresionante cartera de clientes Herman Miller, Yamaha, Epson y Muji entre otros. Aunque afirman que "un objeto no es más importante que la cosa sobre la que descansa o que la habitación en la que se encuentra", sus simples creaciones, gracias a sus buenas dosis de diseño, llaman la atención. Son las que provocan un flechazo o te hacen detener la vista sobre ellas. Podéis comprobarlo en la recién inaugurada exposición en el Design Museum de Londres [link].

A veces, un buen diseño basta para hacerte feliz, aunque los números no abandonen el rojo (¿por qué me gustará tanto este color?).

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry080516-111953 2008-05-16T00:00:00Z 2008-05-16T00:00:00Z un gusto por lo francés. Al llegar a Madrid en 1759 se encontró con un palacio a medio edificar, a medio decorar y una nobleza cortesana que le contestaba "s'il vous plait".

Primer decreto, las nuevas estancias debían emular a Versalles. Lo francés se impone. ¡Qué duros debían de parecerle los austeros bancos de los 'Austrias'! Luego, el descubrimiento de Pompeya, hace que el gusto huya de las volutas y dorados del barroco y busquen referencias en estilo de la antigüedad clásica.

Hubo sobredosis de coronas de laurel, guirnaldas, liras... y elementos egipcios (esfinges) junto a otros de inspiración arquitectónica. Nace el Neoclasicismo que tiene a su 'Paris Hilton' y a su 'Posh' de la época, en la Duquesa de Alba (la de Goya, no la del 'Hola', no confundan) y en la Duquesa de Osuna, que rivalizan, sin necesidad de Visa, por ver quién tiene la más amplia colección de piezas de las excavaciones.

Pero hemos ido muy deprisa, Carlos IV, después de tener que vender todos los muebles y enseres de su padre para pagar las deudas del fallecido monarca debe de empezar de cero. Por cierto, nadie sabe si consiguió vender la cama del rey que hizo fabricar con un lecho tan duro como una piedra cuando quedó viudo, aunque sí es seguro que encontraron comprador de espejos de 160 pulgadas (léase 368 cms) que el antiguo rey de Nápoles mandó construir. ¡Un hito de época! Carlos IV, con el taller que tiene bajo su protección, se rodea de muebles rendido a los pies del encanto latino y del gusto por las proporciones y orígenes clásicos. Los cortesanos, le siguen y se lanzan a comprar el estilo Luis XVI. Y en esas estamos...

Llegan los franceses y se encuentran como en casa, al menos en palacios y mansiones porque la cruda realidad es que el pueblo vivía en simples casas de paredes encaladas de suelo de barro cocido, donde me cuentan, si existía una habitación de matrimonio, era donde se recibía a las visitas. ¡Agua va!... Se escuchaba en las calles de Madrid, y desde los balcones y ventanas se vaciaba (no antes del grito de alarma) el bacín o vaso de noche.

Hace 200 años (como si alguien a estas alturas no lo supiera) iniciaron la revueltas contra los franceses. Ellos se fueron, pero su gusto, sus muebles, se quedaron. Sus dictados nos persiguieron con el "fernandino" (la adaptación española del «Imperio» francés de formas, eso sí, más solidas y ostentosas) y el "isabelino", mas de lo mismo pero con materiales cada vez más pobres. Lo que antes era caoba ahora es pino chapeado de maderas nobles.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry080503-111052 2008-05-03T00:00:00Z 2008-05-03T00:00:00Z [link] es mi droga. O al menos, soy un adicto a su filosofía. Rado [link], la mítica marcas de relojes suiza, me permite hablar de él, ¡con él! El motivo, el diseñador británico (Londres, 1959) ha creado una colección para celebrar el 50 aniversario de la marca. Cinco piezas realizadas en cinco oros diferentes que la revista (la Biblia para muchos) Wallpaper ha corrido a proclamar como "el reloj más 'in' del planeta".

Puedo afirmar, que estoy casi totalmente seguro de que no tengo la menor idea de cómo fue nuestro encuentro. Confieso que sus ideas, que tienen el mismo efecto que el champán (¡malditas burbujas!), complican bastante los recuerdos. Pero para eso están las Moleskine: "en todos mis proyectos mi objetivo es encontrar lo más esencial de un objeto", pregona a los cuatro vientos. Y añade, ampliando en su filosofía: "Los mejores objetos son discretos. No creo en los que gritan para llamar la atención. Son más agradables los objetos que se aprecian con el paso del tiempo".

Su firma, buscada por marcas como Vitra, Capellini o Alessi, no quiere que sea un reclamo y para eso realiza productos donde la funcionalidad es lo primero. Si un fabricante busca a la desesperada que su producto vocee:-" ehhh... estoy aquí ¡Cómprame!", Morrison no es su hombre. Él no quiere que se reconozca su firma en cada objeto que diseña. Son como hijos anónimos que no han pasado por el registro. Pero vuelvo a mis apuntes: "Reducción es una disciplina que implica que hay que tener en cuenta "Todo", antes de encontrar el camino correcto. Suena como un enfoque budista de la vida pero, casualmente o no, el diseño tiene que ver con la facilidad de encontrar, de forma natural, lo que los objetos han de ser. Es un proceso muy intuitivo que no puede regirse por reglas. Las posibilidades son infinitas, pero cuanto más lo haces menos tiempo pierdes en busca de soluciones ridículas y estás más cerca de darle la forma correcta a un objeto".

¿Y como se rediseña un "mito" de la relojería? "La caja es un cuadrado. Mi reacción fue para suavizar la apariencia del reloj con una serie de pasos, yendo desde un pequeño radio en el borde de la cara a un mayor radio para la marcación y, por último, añadí 3 círculos el interior del dial".Y un último detalle:"he cambiado la tecnológica y bella cerámica de Rado negra y brillante por una mate".


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He escuchado a Jaime, el mejor representante del nuevo diseño español, decir sobre su primera colaboración: "'Re-deco' no era Hayón, no era una colección que yo firmaba, era Lladró, era redecorar unas piezas, darle un toque". Y añadía, tal vez como justificación ante el poco entusiasmo que generó en el mundillo del diseño: "Quizás en nuestro mundo estamos acostumbrados a algo más fuerte, a una sorpresa cada temporada, pero las empresas que hacen eso, lo hacen porque su público puede entenderlo y lo están esperando. Una empresa como Lladró que factura 200 millones de Euros frente a los 10 ó 15 de la mejor empresa de diseño, con un público acostumbrado a un tipo de figura realista, que trabaja de la misma manera desde el siglo pasado, tiene que ir poco a poco".

¿Pero, qué ha cambiado para que ahora me guste su nueva propuesta? Primero, Jaime Hayón ya no es director artístico de la factoría valenciana de Tavernes Blanques. Y parece que, como "diseñador invitado", se ha quitado un peso de encima: la historia de la casa. Alguien diría que "se ha sacudido el polvo".

Y segundo, tal vez no estemos ante una segunda entrega, sino ante el trabajo de un diseñador que sigue constantemente dibujando un mismo universo, como fue el caso de Proust -'En busca del tiempo perdido'-, con varias novelas, en distintas entregas, es decir, un autor construyendo constantemente continuaciones de su obra. 'The Fantasy' no es Lladró. Es Hayón fabricado por Lladró.

Como despedida, una confesión: yo, que hace unos años le pedí a Jaime Hayón que mandara las características piezas figuras valencianas (bajo el yugo de) a la guillotina (fue contratado un 14 de julio), ahora, tengo que reconocer que me gustan, sólo estas de Hayón (of course), pero no sabría qué hacer con ellas. ¿Dónde ponerlas?

Aunque, parece que hay futuro esperanzador en Lladró si dejan que diseñadores y artistas trabajen con su propio lenguaje y no al revés, aprovechando el buen hacer de la mítica marca. Jaime me confesó: "Digamos que yo les voy educando y ellos a mí. Yo aprendo de ellos y ellos de mí. Es un tira y afloja".

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Tanto los diseñadores como nosotros nos preguntamos: Si somos una potencia en el diseño, ¿cómo puede, nuestro presidente, trabajar en un espacio tan 'in' (insustancial, inhóspito, insípido...)? ¿Habrá pacto de estado y se encargará su redecoración a un profesional de reconocido prestigio?

Zapatero tiene alergia a su despacho, o eso parece. Nosotros sabemos porqué. El despacho oficial del presidente recibe poco a su dueño, éste prefiere trabajar en el particular de su residencia. No nos extraña: las paredes casi desnudas y tristes..., los muebles de centro comercial de periferia..., no invitan a entrar en este "despacho-piloto" [link].

Aprendamos de los franceses (con permiso de Manuela Malasaña). Desde la época de De Gaulle, los inquilinos del Elíseo encargan, en cada mandato, a un diseñador prestigioso las estancias de este viejo palacio de la calle Rivoli. Todavía hoy sorprenden, visitando la exposición de Pierre Paulin en Galerie des Gobelins [link] los muebles y ambientes que creó el diseñador a principios de los 70, para Georges Pompidou. ¿Alguien se imagina a Sonsoles sirviendo, perdón presidiendo, la cena en aquellos comedores? Los espacios futuristas hoy nos siguen pareciendo modernos, y los interiores que redecoró años después el ‘enfant terrible’ del diseño francés, Philippe Starck, para François Mitterrand, nos parecen, en comparación, aburridos espacios burgueses, aunque fueron la imagen de un cambio en una nueva Francia.

Pero volvamos a Madrid. Le enseño la foto del despacho de Zapatero a Damián Casado, uno de nuestros galeristas jóvenes con más futuro, empezamos a hablar de los cuadros y nos dice: "Veo una presencia mínima, casi testimonial de los cuadros, están mal ubicados y descompensados, da la sensación de que no le importa lo que hay colgado y no disfruta con ello. El presidente debería ser embajador de nuestra cultura, evitando obviedades como Miró (fantástico, por cierto) o grabados de poco valor de Chillida, seguro que Patrimonio tiene mejores piezas". Una ayuda: "Juan Uslé sería una buena apuesta para cubrir las paredes. Es reconocido internacionalmente y joven y maduro al mismo tiempo". El Director de la Galería Casado Santa Pau [link], no se olvida de la escultura, su candidato, sin primarias, es Juan Muñoz. Le arranco un par de nombres más jóvenes por si el presidente no quiere dejar su Visa-nuestra Visa-, tiritando: "Fernando Sánchez Castillo, Secundino Hernández o María Ortega, son unas buenas propuestas, ya que juegan con la abstracción pura pero llena de matices. Y apostaría por la fotografía novedosa y fresca de Sergio Belinchón".

Como una Madre Teresa del diseño, eso sí, con un kaftan de Lanvin y sandalias de Gucci, sigo a la caza y captura de consejos gratuitos y desinteresados, para que Zapatero se inmunice contra su alergia. Pillo a los componentes de CuldeSac [link], sin duda el colectivo de diseño más importante y fresco de nuestro país, a punto de embarcar al Salón del Mueble de Milán. Pido su opinión y empezamos. Seguimos hablando de arte: "Nos parece que los cuadros son correctos, aunque su despacho debería reflejar a grandes artistas, tanto de la historia, como artistas contemporáneos de vanguardia e incorporar, incluso, a los que trabajan en últimas tecnologías".

Los ganadores del premio al Diseñador del Año, en 2007, de la revista AD, CuldeSac, añaden: "El despacho del presidente debería transmitir el talento y calidad que se encuentra en nuestro país. Se necesita un cuidado análisis para plantear qué elementos concretos habría que incluir como mejores embajadores españoles". Les ponemos a trabajar y nos proponen unos dibujos que transmiten algunas de sus ideas fundamentales [link] para empezar a redecorar.



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Silla de los hermanos Campana.

Una vivienda de 85m2 en Madrid ha perdido un 20% de su valor de enero a diciembre de 2007. Palabra de tasador.

Y aunque el señor ministro de Economía, ni me lea, ni me de la razón, debería conocer que una pareja de butacas de mediados del siglo XX, de nuestro admirado Jean-Michel Frank, se acerca a los 100.000 dólares. Alguien podría decir que sus líneas limpias y sus acabados deliciosos -¿quién se resiste a no tocarlos?- son actuales y funcionales. Pero entonces, ¿cómo justificar el escandaloso millón de dólares pagados en Christie's por una escultórica cómoda de Marc Newson de principio de los ochenta?

El fenómeno no tiene marcha atrás. El contenido cotiza al alza. Son valores seguros las obras de pioneros del Movimiento Moderno como Prouvé y Charlotte Perriand. Estos inundan el mercado con las abundantes piezas que diseñaron (ironía del destino), para escuelas y hospitales. Un sillón del primero cuesta 144.000 dólares y una mesa de la segunda 192.000. Como hito de esta situación, una mesa de Carlo Mollino de 1949 vendida en 2005 por 3.824.000 dólares (Christie's estimaba su valor en 200.000).

Suben enteros los 'fashionables' posmodernistas italianos, Alessandro Mendini y Ettore Sttosass. Y serán una buena inversión las piezas de mobiliario de serie limitada que empiezan a inundar el mercado. Un soplo: apuesta por las de Zaha Hadid para Established & Sons [link] o las de los hermanos Campana para la galería Albion [link] de Londres. Y si el mundo mobiliario te parece un riesgo, lánzate a por el arte-moda. Unas piezas de lona -a modo de cuadro- serigrafiadas del japonés Takashi Murakami para Louis Vuitton se empezaron a vender en su exposición en el MOCA [link] de Los Ángeles a 6.000 dólares el día de su inauguración, están a los dos meses en 10.000.

Las viviendas caen y los datos son pruebas desnudas, violentas, asentadas como puñetazos en mi maltrecha economía doméstica. ¿Acabarán las entidades financieras ofertando hipotecas a treinta años para el sofá?

PIE DE BLOG: Soy Jesús Cano, tengo cuarenta menos uno, soy diseñador todo terreno y desde hace más de 15 años escribo sobre diseño, moda y arquitectura. En el 2007, mi inversión ha disminuido un 20% y tengo una mesa de Jean Prouvé (eso sí, no es antigua ni de subasta, sino del catálogo de Vitra).


]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry071231-105941 2007-12-31T00:00:00Z 2007-12-31T00:00:00Z cómo decorar la habitación de una infanta de España.

El ejemplo nos venía de la mano del gran Christian Liaigre y el objetivo era evitar una conmoción nacional como cuando la revista '¡HOLA!' nos descubrió cómo veían la TV (o cómo tomaban café) sus padres. Me duele no haber hablado de Shiro Kuramata, que dios me perdone. Este japonés al que John Pawson rompió el corazón que conseguía que las cosas más ordinarias tuvieran su momento de gloria. Hubiera viajado con vosotros a Katsura, el mejor ejemplo de la arquitectura nipona donde "el reflejo de la luna era nítido y tranquilo", según el príncipe Toshihito. Ahora tendréis que viajar solos aunque sea a través del libro 'Katsura: Imperial Villa' (Ed. Electa). Y ¿por qué no? una exclusiva: mi relación con Tamara (Lempicka se entiende, ¿qué pensabais?). Su obra sigue siendo un misterio pero su forma de vivir también merece una lectura más a fondo. En la magnífica exposición de la Fundación Caixa Galicia podemos descubrir cómo vivía (decorativamente hablando). Pero estas son otras historias. Historias para otros blogs.

"Nadie se atreve a decir lo que piensa y por eso mismo casi ninguno se cree lo que dicen los demás", leía a Adela Cortina, reciente premio Ensayo Jovellanos 2007 por 'Ética de la razón cordial' (Ed. Nobel). La catedrática valenciana dice que es la mayor inmoralidad a la que nos enfrentamos hoy. Estoy de acuerdo. En nuestro blog (vuestro y mío) he sido sincero (casi siempre) y quiero terminar diciendo una verdad que debéis conocer: 'Brillos y ladrillos' ha sido una labor de equipo. Hoy, en nuestro último día juntos (sniff), os lo quiero presentar.

Enric, su espíritu ha sobrevolado cada uno de mis blogs: "Tengo el jarrón de Hella Jongerius, en mi casa sólo entran tres colores (gris, negro, una pizca de rojo), el nombre de mi buzón está en Helvetica Light, he cenado en el Gold de D&G y hasta he compartido una paella con Jaime Hayon hablando de diseño y de cerámica. Y tengo mi VISA en cuarentena para poderme pagar una lámpara Memphis de Sottsass. Si esto no es aprender...".

Lorena, su pluma ha sido la fuerza cuando flaqueaba la mía (y eso que tengo mucha ): "Un viaje intenso que nos ha llevado a conocer mentes brillantes que con sus creaciones han convertido el mundo en un lugar maravilloso para vivir. Mi vida ya no ha vuelto a ser la misma sin la imaginación en blanco y negro con tintes rojos de Piero Fornasetti ni sin el origen humilde de las creaciones del maestro Achille Castiglioni. Siete meses en los que el mundo ha estado un poco más cerca de nosotros".

Alejandro, mi amigo, mi confidente, mi particular corresponsal de guerra: "Saber que no estás sólo en el mundo: eso es lo mejor. Que no eres el único que sueña en una cama Hästens, que no sólo tú crees gracias a Pawson, que los memo de Diana Vreeland aún se siguen a pies juntillas, que hay alguien capaz de ser políticamente incorrecto sin perder la clase, que se derraman lágrimas por Hedi, que los hay incluso más avispados que tú y que te pueden enviar a Milán a cazar tendencias en bici... Eso es lo mejor: Tener un amigo (y compartirlo online). Y saber que no estás sólo en el mundo".

Pablo, mi conseguidor de fotos y aprendiz de republicano (léase, su primera vez en Ikea nos hizo sonreír a todos): "Durante muchas mañanas en mi desayuno no solo estaba los imprescindibles café y tostadas, las tertulias de la radio (no precisamente Jiménez Losantos) y la ducha para afrontar el día. Era de lectura obligada "Brillos y ladrillos", que tanto mundo me ha descubierto en los últimos meses: arquitectura, diseño, decoración, tendencias, etc. todo aquello que se me escapaba lo encontraba en estas líneas. Con él perdí la virginidad en el famoso mundo del mueble "tú te lo guisas, tu te lo montas", que recuerdo como uno de los momentos álgidos de mi vida. A partir de ahora me sentiré perdido, las mañanas volverán a ser grises y tendré que buscar nuevas fuentes de información...".

Carmen, la voz de mi conciencia, porque yo no tengo pero sí amigos a los que les sobra: "Nunca me han gustado los blogs, no he logrado engancharme a ninguno. Con 'Brillos y Ladrillos' fue diferente. Conseguí estar enchufada de manera continua. Ahora me lo quitan... Nunca más volveré a iniciar otra relación".

Hasta pronto, amigos.


]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry070503-120305 2007-05-03T00:00:00Z 2007-05-03T00:00:00Z
"Es fresca, limpia y fácilmente legible, humanizada y de suaves pinceladas". Christian Larsen, no habla del último perfume de Comme des Garçons ni de los últimos sales de baño de Muji. Habla de la Helvetica. Sí, una letra que se ha instalado en las dependencias del MoMA de Nueva York, la gran institución del arte contemporáneo. "Es la primera letra en el mundo que se expone en el museo", señala Larsen, comisario de la exposición.

La Helvética nace en 1957 bajo un nombre impronunciable: Neue Hass Grotesk. Fue creada por Edouard Hoffman. Su vida es de cuento, más de Cenicienta que de Blancanieves. Durante sus primeros años, nadie la quería usar. Y tipografías con más años y caché eran las reinas de las imprentas. Sus hermanastras entonces eran la Baskerville y la Bodoni, que le robaban el protagonismo en todos los bailes.

Un día se le 'cayó el nombre' y su príncipe, que se llamaba Mergenthaler Linotype, se decidió a 'calzarla' con el nombre de Helvetica, versión de Helvetia (Suiza en latín). Corría el año 1961. Y la vida de la Helvetica cambió para siempre. Dejó de ser la niña fea y se convirtió en un bonito cisne. Perdón, me confundo de cuento. En una linda princesita (sin coletas). A mediados de la década de los 60, sobre todo en EEUU, no había una empresa de publicidad que no la usara. Sobre todo si querían transmitir un "mensaje rápido y eficiente sin imponerse ella misma", comenta el comisario de la exposición del museo neoyorquino.

A finales de los 80, la Helvetica ya es la 'reinona' de todas las tipografías. Y aunque en los 90 hubo un 'conato republicano' digital bajo el nombre de Arial, ésta no consiguió destronar a la soberana y fue repudiada por la mayoría de los súbditos.

El MoMA de Nueva York celebra (hasta 31 marzo de 2008) los 50 años de la Helvetica con una exposición que muestra pósters, elementos de señalización y diferentes documentos gráficos que dan fe del gran poder de la 'reina'. Tanto que se ganó otro título: ser la tipografía del siglo XX.


PIE DE BLOG: Y fueron felices y comieron perdices. Y todas las marcas que aquí se nombran utilizan la Helvetica.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry070411-115557 2007-04-11T00:00:00Z 2007-04-11T00:00:00Z
Semana Santa: cuatro días para reflexionar y disfrutar de un libro ('Ácido sulfúrico' de Amélie Nothomb), de un par de discos (de Rufus y Mika), de las tormentas (¿no es ideal la ciudad después de la lluvia?), de la compañía de los amigos... No puedo evitar preguntarme: ¿quién quiere pareja cuando tiene vida? Lo confieso, también he visto algún capítulo de 'Sex and the City' y redescubierto a Aloysius de la mano de Sebastian en 'Retorno a Brideshead'... Perdón, me despisto.

"Si hablas, morirás; si no hablas, morirás. Así que habla y muere", recuerda Pannonique, la protagonista del libro de Amélie. Pues eso: hablo. Ahí va.

¿No hay nadie en esta ciudad que cuestione la ampliación del Museo del Prado? ¿Es que el maestro Moneo tiene la fórmula para conseguir la unanimidad en los medios? ¿No somos todos responsables del proyecto? Ya está: no me gusta. Y me pregunto: ¿Soy el único?

"Nunca he querido un edificio emblemático, lo emblemático es la institución", he escuchado decir al maestro. Porque antes de continuar, lo dejaré claro. Rafael Moneo (Tudela, 1937) es un genio de la arquitectura. El Museo Nacional de Arte Romano de Mérida o el Kursaal de San Sebastián han conseguido de mí una emoción contenida al encontrarme ante una ARQUITECTURA con mayúsculas. Pero esta ciudad necesita iconos para que la vuelva, volvamos a amar. Tal vez el proyecto de ampliación del Museo del Prado no era el lugar. Nació de un programa ya de por sí rígido: aceptar las reglas de volumen del espacio ya construido; ajustar el nuevo proyecto con el antiguo y hacerlo compatible con las nuevas condiciones de acceso y seguridad y proponer soluciones genéricas que enriquecieran el punto débil del edificio de Juan de Villanueva: su fachada posterior. Y el maestro lo ha llevado a cabo con paciencia, contra viento (vecinos, expertos, políticos...) y marea (periodistas, críticos, patronos...). En algunos casos ha llevado su proyecto hacia soluciones poco expresivas como el cubo, el edificio construido en torno al antiguo claustro de los Jerónimos que con el paso del tiempo abandonó su rotundidad para convertirse en la fachada de un centro cultural de barrio. Las monumentales puertas de Cristina Iglesias son un gran hallazgo.

En los diez años que han pasado desde la adjudicación del proyecto (5 de construcción y 152 millones de inversión), el arquitecto navarro dibujó otro hallazgo, un jardín de boj, que es la cubierta (en un principio era de cristal) de una de las piezas claves del proyecto: la cuña subterránea que alberga los nuevos espacios de recepción, librería... Aunque el exterior del nuevo volumen, en algunos momentos, puede parecer el aparcamiento de la pinacoteca. Su encuentro con el viejo edificio de Villanueva podría haber sido tal vez más poético.

El elenco de materiales, un acierto: los zócalos de granito y ladrillos aplantillados en el exterior; en el interior, bronce envejecido, estuco y maderas nobles como el roble y el cedro (ambas 'políticamente' ecológicas). Su utilización demuestra que se puede hacer arquitectura moderna en un entorno clásico. Doble punto para Moneo.

El Museo del Prado seguirá siendo un lugar para soñar, para perderse. Mejorado, cómodo, práctico, funcional, espacioso, confortable, nuestro... Pero también me hubiera gustado soñar con una visión exterior (los interiores están delicadamente bien resueltos) a modo de una pirámide (Pei en el Louvre), una cúpula (Foster en el British) o un 'simple' cubo (Moneo para el Prado).

PIE DE BLOG: la ciudad no solo la construyen los arquitectos. La hacemos todos: urbanistas, promotores, políticos, ciudadanos... Pero Madrid necesita más debates (fuera de hemiciclos, plenos, etc) y suerte. Sino, recordar el monumento erigido en recuerdo de las víctimas del 11-M del estudio de arquitectos FAM o la ampliación del Reina Sofía de Jean Nouvel.

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Estamos de homenaje. IKEA, la casa de todos, cumple 10 años en España. Y como cualquier príncipe azul, éste también destiñe. He preguntado al resto de ciudadanos de este 'estado' qué es lo que menos les gusta de su 'gobierno'... También espero las vuestras, blogueros. Hoy queremos pasarlo bien con IKEA.

Jose, aburrido. "No soporto el estilo cansino de IKEA. No se si es por culpa del gusto de mis amigos homosexuales, pero todos tienen la misma casa. La gente debería aprender que es interesante mezclar el estilo de esta casa sueca con piezas compradas en otros lugares. ¿Para qué existen los mercadillos y las almonedas?".

Martín, hastiado. "¡No puedo más con las cenas servidas en ensaladeras plateadas y muebles del salón lacados en rojo! ¿Por qué todos compramos lo mismo?".

Antonio, perdido. "Lo que menos me gusta de IKEA es el laberinto letal que te obliga a visitar todo el centro... sobre todo cuando buscas algo concreto. ¡Es desesperante a partir de la segunda visita! Además, los atajos no están señalizados debidamente".

Sara, categórica. "Eso de recoger el producto dándote un numerito y aguantar interminables colas hasta que te lo dan, pues no. Está masificado, no hay existencias, una casa sólo decorada de IKEA, no es original".

María José, desamparada. "Hay poco personal atendiendo y cuando no encuentras algo, te vuelves loco. Además, creo que los muebles de verdad tipo armarios, mesa de comedor, camas... no son de calidad".

Diana, estresada. "No me gusta, es el uniforme de las casas de los pobres -como yo-. ¡Nada es original! Resulta que los productos que busco, siempre están agotados. Y el "vuelve el jueves, que ya lo tendremos" NUNCA se cumple. El caos que me monto cuando estoy dentro de la tienda '¿por aquí ya he pasado? ¿o no?' Ufff, me estresan muchísimo, y más los sábados...".

Pablo, oportunista. "Después de sudar la gota gorda con los tornillos, las piezas... ¡La cama nunca está lo suficientemente fijada! Y un buen día empieza a hacer ruido... Aunque reconozco que en algunos casos, el ruidito ayuda".

Carmen, agotada. "No soporto las colas... Ni la sensación de que, últimamente, cuando voy allí todo es igual todo el tiempo... Esto supongo que se debe a que mis dos úlitmas casas son de IKEA y tengo la sensación de que ya lo he comprado todo".

Peter, interactivo. "Los de IKEA han creado una ayudante virtual femenina para ayudarte a navegar por la página... Entra en la web y justo abajo a la derecha, selecciona "Pregúntale a Anna". Lo malo es que si le preguntas 'si tiene novio o cuanto le pagan', ¡alucina con lo que responde! No tiene desperdicio. ¡Y te enseña los colchones disponibles!".

Rodrigo, alucinado. "A la gente, o le pagan por ir a IKEA (a cualquiera, esté donde esté) o pasan la noche dentro. Si vas a las 10 de la mañana (entre semana ¿eh?), ni pienses que te lo vas a entontrar medio vacío...".

Carol, apocalíptica. "Tras visitar IKEA personalmente, después de tanta fama, me quedé bastante desilusionada. Tiene las mismas cosas que en cualquier tienda de tu ciudad y no es verdad que sea más barato, yo no encontré ninguna ganga. Lo único que creo que puede ser interesante es que lo tienes todo en un mismo lugar".

Enric, conciliador. "Al igual que digo que comprar muebles en IKEA es un tostón y tirar del carro una auténtica odisea, tengo que deciros que la bolsa de rafia azul de IKEA es una maravilla. Me siento como si llevara un Kelly".

Susana, ikeaadicta. "Como experta que soy después de comprar cosas para 3 casas y 2 despachos durante años y viajes a l'Hospitalet y Murcia, que al menos habrán sido 10: para los que nos desplazamos bastantes kilómetros es frustrante descubrir, una vez estás allí, que no se encuentra en stock lo que buscabas. Aunque puedes consultar la disponibilidad del producto en su página web , al no poder reservar por esa vía, te quedas igual, ya que cuando llegas no queda nada para tu gusto".

Alfredo, antisocial. "Por favor, dejen a los niños en casa ¡Es un fastidio ir a comprar con la gente llevando allí a los niños como si fuera una guardería!".


PIE DE BLOG: el catálogo de IKEA, después de la Biblia, es el libro más vendido. En la actualidad se distribuyen más de ocho millones de ejemplares sólo en España. Las ventas han crecido exponencialmente cada año desde 1997. Ese año el gigante sueco ganó casi 100 millones de euros. El año pasado, las ventas ascendieron a 1.084 millones de euros. Según la compañía, en los sofás 'Ektorp' vendidos en un año se podrían acomodar a todos los espectadores de un partido de fútbol en el Santiago Bernabéu (74.634 plazas).


USO DOMÉSTICO: mi equipo y yo queremos contribuir al bienestar de 'nuestra república' (de momento de esta, no de la otra). Cada uno hemos elegido nuestra pieza favorita.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry070313-113637 2007-03-13T00:00:00Z 2007-03-13T00:00:00Z Oscar Niemeyer (Río de Janeiro, 1907) también lo es, pero no por la arquitectura "a pesar de que me ha hecho permanecer ligado a la mesa de dibujo durante 70 años. Lo importante para mí es la vida, los amigos, este mundo injusto que debemos convertir en un mundo mejor". Y continúa, "me hace feliz estar a gusto y tranquilo. Ayudar a los otros. Me parece que nos debe gustar ayudarnos los unos a los otros, es algo muy importante. Y no hacerlo como una obligación. Cuando voy por la calle y alguien me pide dinero, si tengo, se lo doy, se trata de un momento de placer que me gusta poder ofrecer. ¡Cómo me ha gustado invitar a mis amigos más pobres a viajar conmigo por Europa y verles felices por recorrer el Viejo Mundo!".

Yo sigo en la Vieja Europa, en París, no soy uno de sus amigos, pero estoy enfrente de una de sus obras. No ante el imponente edificio de cristal y hormigón sede del Partido Comunista Francés sino de una obra mucho más pequeña (apta para llevar a casa, luego os digo cómo). Pero con la misma magia, fuerza y libertad que respiran sus obras emblemáticas, como el Museo de Arte Contemporáneo de Niterori (Río de Janeiro) o la sede del Congreso Nacional en Brasilia.

Se trata de una tumbona con reposapiés tapizada en piel amarilla y con las patas de metal. Estoy (estamos) en la Galería de Yves Gastou, en la Rive Gauche. Somos como viejos amigos (la tumbona y yo). Fue un amor a primera vista. La vi y nos abrazamos (léase, me tumbé cuan largo era y soy). Fue en una de las salas del Congreso Nacional de Brasilia. Entonces descubrí en ella la arquitectura libre y llena de curvas del maestro brasileño. Ahora reaparece en mi vida y solo nos separan 30.000 euros (ya os dije que os iba a contar cómo llevarla a casa).

Oscar Niemeyer está entre esos adorables ancianos cercanos a la centuria, como el cineasta Manoel de Oliveira o la escultora Louis Bourgeois, de los que todavía tenemos mucho que aprender (léase 'la sabiduría es la experiencia'). El brasileño ha llevado el hormigón (parece que estamos en la semana fantástica de este material) a su máxima ligereza. Sus obras son pequeñas esculturas. Hoy el maestro sigue pegado a su mesa. Ahora termina de dibujar su primer proyecto en España, el Centro Cultural Premios Príncipe de Asturias en Avilés.

PIE DE BLOG: un par de calles más allá descubro otro personaje que me hubiera gustado conocer, Steph Simon, un verdadero 'agente de artistas', creador y comerciante de los muebles de Jean Prouvé y Charlotte Perriand, las lámparas de Serge Mouille o Isamu Noguchi y las cerámicas de Georges Jouve. Coincidiendo con el cincuenta aniversario de la apertura de la Galeria Steph Simon (1956), la Galería Downtown presenta una retrospectiva con objetos, fotografías así como piezas de mobiliario realizadas entre 1956 y 1974.

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La historia de Naoto Fukasawa (Yamanashi Prefecture, Japón, 1956) es una de ellas. Te puedo confirmar que es el diseñador más importante del momento. Ha recibido el premio de ELLE Deco (edición internacional) al mejor diseñador del año -unos premios (te informo) que no dependen tanto de la presencia del artista como en tantos otros de revistas femeninas, supeditados a la agenda del genio para elaborar la lista-. Y lo más importante, ha sido el creador de la casa del futuro (decorada con muebles diseñados por él mismo). Sí, él ha sentado las bases de hacia donde van nuestros hogares en los próximos años. La ha presentado en la importante Feria del Mueble de Colonia, una de las más prestigiosas del mundo.

Naoto (porque después de estas líneas, ya es nuestro amigo) asegura que nuestras casas estarán más vacías. Que los objetos que nos resultan más familiares están desapareciendo de nuestro espacio vital. Los integramos en las paredes (luces, calefacción y TV) o en nosotros mismos (música, teléfono, etc.). Lo único de lo que (de momento) no nos podemos deshacer es de los muebles. "Quiero conseguir que la gente, cuando entre a esta casa, se sienta normal y confortable a la vez. Quiero que se pregunten por qué una casa aparentemente normal es tan bonita". Eso es lo que le oí decir en una entrevista.

Es un mago de las formas más que un creador de objetos. Su reino son los electrodomésticos y demás dispositivos eléctricos para la casa. Los coge, los estudia y los transforma. "Dame un objeto feo y lo convertiré en algo mágico", dicen que dijo en una entrevista para la revista ICON. Recuerda que de la cabeza de Naoto salió aquel objeto maravilloso, el CD de pared para la marca japonesa Muji (los básicos sin marca, ¿recuerdas?). Hoy forma parte de la exposición permanente del MoMA de Nueva York.

También es el director creativo de la casa Plusminuszero, especializada en electrodomésticos, equipamiento audiovisual y demás objetos para el hogar. Su filosofía, la misma que la de Muji: productos simples dirigidos a mucha gente y a muchos espacios. Y sobre todo, bajo el paraguas de 'asequible'.

A ti te gusta mojarte de vez en cuando y cruzar la calle con el aguacero arreciando. Seguro que has disfrutado con este (nuestro) nuevo amigo que te acabo de presentar. Recuerda mis palabras, 'hay que aguantar el chaparrón' (ya lo sé, tú lo haces, pero no hay que dejar de hacerlo). Te deseo que este año sea tan fructífero para ti (creativamente hablando) como ya lo fue el anterior.

Un abrazo,

Jesús Cano.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry070301-110044 2007-03-01T00:00:00Z 2007-03-01T00:00:00Z
1. 'Las vacaciones de M. Hulot' (1953) de Jacques Tati. Estética de los 50 del movimiento moderno y del funcionalismo. En este decorado funcionan las palabras del maestro Le Corbusier: "La casa es una máquina para habitar". También recomendable 'Mi tío'.
2. 'American Pshyco' (2000) de Mary Harron. Un homenaje a los mejores 80. Refleja una imagen fría, de líneas puras y monocromatismo casi opresivo. Encontrarás el quién es quién de la decoración que impusieron los reyes de Wall Street. Mucho Mies, mucho Le Corbusier y buenas dosis de cuero, acero y cristal. El apartamento de Mickey Rourke en 'Nueve semanas y media' también es un reflejo de la época.
3. 'The pillow book' (1996) de Peter Greenaway. La gran diseñadora francesa Andrée Putman firma la dirección de arte de esta película y mezcla toques de inspiración oriental con su particular sensibilidad. Espectacular la cocina rehundida en el centro del loft.
4. '007 Al servicio de su majestad' (1969) de Peter R. Hunt. Los incipientes 60 en clave euro-chic. Mansiones, yates, aviones... todos regados con el mejor "martini agitado pero no removido".
5. 'Historias de Philadelphia' (1940). Edwin B. Willis, ganador de ocho Oscar a la mejor dirección de arte, resucitó en este filme interpretado por Katherine Hepburn la estética pomposa de las mansiones de los ricos norteamericanos de los años 40. Saltándose la tradicional sobredosis de ostentación del Hollywood de la época, el creativo diseñó la puesta en escena con gigantescos jarrones en el suelo y chintz fruncidas.
6. 'Ella, él y Asta' (1936) de W.S. Van Dyke. Déjate seducir por la sofisticación de los años 30. Muebles blanco perla, exótica porcelana china y pinturas con bailarines Kali. Y en algún rincón, Cedric Gibbons (director de arte) colocó un muro de paneles biselados.
7. 'Deseando amar' (2000) de Wong Kar Wai. En un edificio de vecinos en la bulliciosa Hong Kong, el director crea unos escenarios llenos de color. Diseños estilo Op-art y pinturas tropicales que contrastan con el vestuario de corte tradicional chino de la actriz Maggie Cheung. ¡Qué impresionante colección de quimonos!
8. 'La soga' (1948) de Alfred Hitchcock. Lo mejor de este filme de intriga son las vistas al skyline neoyorquino. Para los que no lo puedan conseguir (servidor), ahí van unas claves: el look es elegante y muy masculino, de tonos gris perla y líneas muy depuradas. Piensa en el decorador Billy Baldwin y algunos de sus herederos como Jeffrey Bilhuber.
9. 'El año pasado en Marienbad' (1961) de Alain Resnais. Chateaus ultra decorados y jardines geométricos en este filme rodado en el Palacio Nymphenburg (Munich). Solo tienes que visitar el Chateau Champ de Bataille (www.chateauduchampdebataille.com) restaurado por el gran Jacques García para conseguir el look.
10. 'Los paraguas de Cherbourg' (1964) de Jacques Demy's. Las rayas de un alegre color fucsia que decoran la tienda de paraguas de este filme, se convirtieron en todo un clásico. Este tributo a los musicales norteamericanos interpretado por una jovencísima Catherine Deneuve está lleno de color. Hazte con él con estampados florales de color turquesa y amarillo canario y con objetos de inspiración china.
11. 'El Gatopardo' (1963) de Luchino Visconti. Tapices con imágenes de caza, paredes envueltas en damasco y terciopelo, cómodas de nogal, espejos del XVIII con marcos de madera dorada... Estas son algunas de las pistas para conseguir el look de esta obra maestra del italiano que refleja el deterioro de la aristocracia siciliana.
12. 'El desprecio' (1963) de Jean Luc Godard. Este filme de la nouvelle - vague se rodó en una casa (Casa Malaparte) situada en un acantilado de la Isla de Capri. Su estética armónica y transparente nos recuerda al arquitecto francés Jean Nouvel. La máxima es: pocas piezas con una fuerte personalidad. En el filme, el minimalismo de los interiores contrasta con el toque de color que le da un sofá azul cobalto.
13. 'Brazil' (Terry Gilliam, 1985). Algunos consideran este filme una sátira de '1984' (Michael Radford, 1949). Escenarios oníricos que mezclan la estética colorista de los años 50 con los avances tecnológicos.
14. 'Blade Runner' (Ridley Scott, 1982). Escenarios futuristas, luces de neón y grandes edificios de espacios vacíos. Un claro escenario posmodernista. Tal vez, una de las películas que más he visto en mi vida.
15. 'María Antonieta'. Ver blog / entrada anterior.

PIE DE BLOG: THE END (diseñado por Saul Bass, tal vez el diseñador de créditos más emblemático)

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry070228-104759 2007-02-28T00:00:00Z 2007-02-28T00:00:00Z
Y yo hoy, después de la gala (me preguntan, "¿Te gustó?", mi respuesta, "Sin comentarios"), me siento estrella de Hollywood (no comment). Hoy cruzo la alfombra roja, vestido de Dior Homme y envuelto en un halo de mi perfume favorito (ya sabéis, 2 de Comme des Garçons). Hoy y mañana, en este mi blog, una entrega de 20 películas. Y no 20 cualquiera.

Te presento las veinte películas que rigieron el destino de la decoración del siglo XX.

Replay. Hablemos de Pe. Pero de Pe...

El 'replay' también se puede convertir en una obsesión cuando intentas inspirarte en alguna de estas geniales películas.

1. 'La edad de la inocencia' (Martin Scorsese, 1993). Grandes chimeneas y siempre encendidas, lámparas de grandes proporciones, camas tapizadas en terciopelo... Todo en exceso, como le gustaba a la alta sociedad neoyorquina de finales del siglo XIX. Siéntete como la controvertida condesa Olenska.
2. 'El manantial' (Ayn Rand's 1949). Basado en el arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright, el protagonista Howard Roark (Gary Cooper) evita en sus diseños todo atisbo de gustos populares. En su lugar, crea estructuras angulares muy modernas y elegantes. Huye de los adornos, los estampados y los colores. En su lugar, colores neutros, muebles tubulares de acero o piel y lámparas de inspiración industrial.
3. 'La naranja mecánica' (Stanley Kubrick, 1971). Consigue el look retro-pop de este polémico filme con sillas pod, brillante iluminación y arte moderno. Y algún rincón (como el de la madre de Alex) en colores naranja, amarillo y papel pintado Mylar.
4. 'Casino' (Martin Scorsesse, 1995). Para la crítica dejó mucho que desear, pero los adictos al diseño se volvieron locos. Estampados y colores desenfrenados y florales, detalles en relieve dorados... Todo muy kitsch en una época en la que el minimalismo empezaba a causar 'estragos' en el mundo del diseño.
5. 'Regreso a Howards End' (James Ivory, 1992). Vive un revival de la opulencia de finales del siglo XIX. Si quieres conocer el espíritu verdadero del estilo británico (nada que ver con algunas de las imitaciones que tenemos en Madrid) de finales del siglo XIX, tienes que ver esta película. Recuerda: mucho chester con mantones de Manila y mucha pared repleta de cuadros.
6. 'El guateque' (Blake Edwards, 1968). Aire sesentero total en esta comedia interpretada por el gran Peter Sellers. Revive una fiesta de la California de los sesenta con espacios diáfanos, vinilos de colores brillantes en las paredes, telas de grandes estampados art nouveau o con imágenes del pop art, luces de neón y lámparas de inspiración marroquí y para el mobiliario, formas en 'S' o huevo y cualquier objeto que siga la estética futurista.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry070227-120819 2007-02-27T00:00:00Z 2007-02-27T00:00:00Z pintor de arquitectura y como buscador incansable de la luz, a la que estuvo intentando 'atrapar' durante toda su obra (y con mucho éxito). En Barcelona, en el Centro de Cultura Contemporánea [link], he descubierto los espacios interiores vacíos llenos de 'luz del norte' de otro pintor. En este caso, escandinavo. Vivió entre los cercanos últimos años del siglo XIX y los primeros del XX en Copenhague.

Una exposición ('Hamershoi y Dreyer', hasta el 1 de mayo) relaciona las películas del director Carl Theodor Dreyer (Copenhague, 1889-1968) ya sabéis, el director de películas de culto como 'El Presidente', 'La Pasión de Juana de Arco' o 'Gertrud', con la obra de Vilhem Hammershoi (Copenhague, 1864-1916). Perdonarme, estoy un poco enciclopédico. Tener un poco de paciencia. Los dos personajes no llegaron a conocerse aunque la obra del director fuera una continuación del trabajo del pintor y tuvieran en común la búsqueda de la luz como medio para expresarse.

Si quieres atrapar la 'luz del norte' en tu casa, ahí van unas claves. Los colores de la paleta escandinava son muy flexibles (pese a lo que puedas creer en un principio). Puedes elegir entre el gris perla, el azul, el crema o el blanco terroso (olvida los tonos brillantes de estos mismos colores), en ocasiones mezclados con marrón o gris. También puedes apostar por los verdes, que se suavizan y se mezclan, ya sea con amarillo o azul, y azules matizados con púrpura o verde. El secreto: que ningún color destaque sobre los otros. Además de paredes, si te apuntas a este estilo, ten en cuenta: utiliza blanco sucio para el techo, crudo para los travesaños de las ventanas, blanco grisáceo neutro para los rodapiés y los arquitrabes que rodean ventanas y puertas y para el suelo, colores pálidos. Resultado: espacios etéreos, relajantes y serenos. Y recuerda que los escandinavos utilizaban estos colores para ganar luz.

La simplicidad se extiende a los complementos . Para seguir con el estilo del 'norte', apuesta por unas cortinas de tela de jacquard de algodón sin teñir. Añádele una cenefa de la misma tela pero en un color de contraste. La cenefa ha de estar montada y la esquina del borde inferior, donde se encuentran las dos piezas, ingleteada antes de unir la cenefa a la cortina.

También tienes que tener en cuenta la textura, elemento clave en la decoración escandinava. En telas apuesta por algodón blanco, lino beige y algún detalle en encaje. Para cubertería puedes utilizar colores metálicos y para la vajilla, blancos imitando la porcelana. Utiliza maderas claras lavadas y lijadas para el suelo y evita los colores anaranjados como el pino. En muebles, decapados o sometidos a un tratamiento de lavado.

PIE DE BLOG: Los premiados con el galardón 'Brillos y Ladrillos' al 'mejor interior nacional' en su primera edición, los arquitectos RCR, ya sabéis, Aranda, Pigem y Vilalta, han construido el montaje de la exposición (de visita obligada). Es soberbio. Son pasillos cerrados recubiertos por 'geotextil', un material de propileno creado en las construcciones que crea unas suaves aguas grises. Cada cuadro es iluminado a través del propileno, siguiendo el estilo 'Dreyer' en sus películas.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry070131-115957 2007-01-31T00:00:00Z 2007-01-31T00:00:00Z
Pongo el broche a esta (nuestra) gala con un personaje que ha soliviado los ánimos del diseño durante estos pasados 365 días, con otro que lo lleva haciendo algunos años más y con una ciudad inspiradora (ya veréis y leereis mis aventuras alli pronto) en la que ya no oimos el ruido de las cacerolas (por suerte) pero sí el zumbido de lo que viene (decorativamente hablando).

Aquí van los tres últimos 'Ladrillos de Oro' de esta primera edición de los Premios Brillos y Ladrillos.

MEJOR PERSONAJE INFLUYENTE: DAVID ADJAYE [link] por ser el nuevo mago de la arquitectura. Empezó tocando con su varita mágica las casas de algunos de los Médicis londinenses actuales (Young British Artists: léase Jake Chapman, Alexander McQueen...) y ha terminado dando clases de magia en el mundo entero. Su última lección, el Nobel Peace Center [link] en Oslo. Adjaye es un romántico y un humanista convencido. Le gusta la belleza, el color, la textura y el espectáculo (él mismo dice que para triunfar hay que ser un poco actor). Cree que la arquitectura debe ser, ante todo, social y en alguna ocasión ha afirmado que le gustaría ser el Robin Hood moderno (arquitectónicamente hablando). Sus trucos creativos pueden llegar a ser feos, pero no dejan indiferente. Provocan (Elektra House, Whitechapel, Londres), seducen (Ofili show, Londres), transgreden (Idea Stores, Londres) y estimulan (Dirty House, Shoreditch, Londres).

MEJOR REVELACIÓN (Y subiendo enteros): JAIME HAYÓN [link] por enseñarnos que el diseño es ante todo diversión, imaginación y originalidad. Este joven madrileño de 32 años, de estilo extravagante y brillante sentido del humor, ha removido las entrañas del diseño actual. Con un pasado de influencias grafiteras y posmodernismo a lo 'Memphis' su delirio por el maximalismo, la mezcla de estilos y las formas neobarrocas han conseguido seducir a los minimalistas más ortodoxos. Un detalle de su auge: el año pasado tuvo tres clientes, hoy va por la veintena. Entre ellos, Camper (dos tiendas), Piper (una champañera) y Lladró, la mítica fábrica de figuritas de porcelana. Los 'bollos' que salgan de este horno valenciano ya nunca más se guardarán en los armarios. Al igual que sus dibujos, muebles, objetos y demás joyas creativas que traspasen las fronteras de esta mente maravillosa.

MEJOR CANTERA DE DISEÑO (Ciudad inspiradora): BUENOS AIRES por ser el nuevo termómetro de lo que vendrá. Los cantos creativos vendrán de esta orilla del Atlántico, moviéndose con cadencia (y a ritmo de tango) y llegando a nuestros oídos en forma de diseño melódico y seductor. Atentos porque esta ciudad ya se permite la licencia de rivalizar con la Miami de Art Basel. Y no os adelanto mucho más porque en breve recibiréis de primera mano todo lo que se 'baila' en esta ciudad a través de mis 'crónicas argentinas'.

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Ha sido un sueño, pero así me gustaría arrancar mi relato de aventuras en diseño a la vuelta de las vacaciones de Navidad (y no os preocupéis, no os martirizaré con un vídeo). Una vuelta al mundo en 80 días (quizá menos) con parada –y fonda– en los mejores lugares de reciente estreno.

Hoy sigo premiando a los mejores arquitectos e interioristas del planeta, porque los 'ladrillos de oro' hoy recaen –¡apartaos!– sobre cuatro paredes: los edificios, hoteles y restaurantes (decorativamente hablando) más brillantes de este año que termina.

'LADRILLO DE ORO' MEJOR UNIÓN BELLEZA E INGENIO: CASA DA MÚSICA [link] de REM KOOLHAAS en Oporto, por su poética deconstructivista en hormigón. Semejante a un gran roca tallada, la Casa da Musica se levanta entre el casco histórico de la ciudad y el barrio obrero. Se trata de la primera obra del holandés en la Península Ibérica pero uno vibra ante la pasión desenfrenada que el arquitecto ha puesto en este proyecto (tardío, debió haber estado construido en 2001 y se ha inaugurado este año. ¡Ha valido la pena!). El gris monótono del hormigón sugiere interiores austeros pero dentro, los sentidos se desatan. La esponja verde de la zona de cibermúsica, la goma rosa del aula educativa, las maderas doradas del auditorio, el collage de azulejos de la sala VIP o los vidrios ondulados que hacen la doble función de ventana y pantalla simultánea (y así podría seguir todo el día) nos desmienten nuestras primeras impresiones. Los planos fueron hechos para una casa en Rotterdam y la petición era la siguiente: un espacio ordenado cuya área principal fuera completamente impoluta. Unos ajustes en la escala doméstica dieron como resultado una obra que se ha ganado su rincón de gloria (en apenas un año) entre las grandes del ránking arquitectónico (ya se le compara con el Disney Concert Hall en Los Ángeles de Frank Ghery). El corazón del edificio es el 'hall' principal y las salas de ensayo, vestíbulos y oficinas se distribuyen alrededor de él. Sin duda, todo un alarde de ingenio que buscaba una de las necesidades humanas más actuales: espacio.

'LADRILLO DE PLATA' MEJOR EXPERIENCIA ESPACIAL: PABELLÓN DE LES COLS [link] de RCR ARQUITECTES [link] en Olot (Girona), por hacer desaparecer la arquitectura y dejar que la naturaleza te envuelva en un hotel invisible. Es la propuesta de tres chicos de pueblo (Olot), el trío RCR Arquitectes (Rafael Aranda, Carme Pigem y Ramón Vilalta), famosos por proyectar las casas más vanguardistas en municipios de la Cataluña rural y por haber llevado su 'Casa Horitzó' a la exposición 'On Site. Nueva arquitectura en España' en el MoMA de Nueva York. En Les Cols han firmado la paz entre la vida rural y la arquitectura de vanguardia moldeando cinco pabellones de cristal minimalistas, volumétricos, rompedores. Son habitáculos herméticos con estructura de metal, paredes y suelos de vidrio. Dentro te sientes protegido y gozas las vistas sin sufrir las bajas temperaturas, el rocío matutino o los insectos. Aquí, el papel pintado es (literalmente) el entorno, la vida rural, la alegría de vivir en el campo. La iluminación, la climatización y las persianas (si es que quieres perderte las vistas) se accionan desde un panel de control. En el centro, un gran mueble central sirve de sofá (de día) y de cama (de noche). Nota: todo empezó por el restaurante, también llamado Les Cols, que Fina Puigdevall –una estrella Michelin– dirige desde 1990 con una cocina sobria y generosa. Ella quería que sus comensales pasaran la noche con el mismo lenguaje que hablan sus platos.

'LADRILLO DE BRONCE' MEJOR FRESCURA: HOTEL BÁSICO [link] de MOISÉS ISÓN Y JOSÉ ANTONIO SÁNCHEZ, porque nunca el hormigón armado había resultado tan fresco y relajante. A la orilla de Playa del Carmen (México), este rugoso material amado por el Movimiento Moderno se hace agradable al tacto. El look nos traslada al ambiente de las plataformas petrolíferas, pero tratado de una manera refrescante. Todo en el Básico es básico y, además, eco-sostenible (otra razón más para ganarse el merecido 'ladrillo'). El guiño eco-industrial se extiende a todos los rincones: las tuberías se exhiben sin pudor en las paredes, se utilizan poleas (de caucho, naturalmente) para subir las cortinas y la gran bañera (tamaño XXL, para ti y alguien más) rivaliza en tamaño con la cama. En la azotea continúa este inusual decorado 'fabril'. Las piscinas de la terraza son unos viejos tanques de petróleo reciclados. Eso sí, con una diferencia respecto a los originales: su líquido es cristalino y, cómodamente sentado dentro (margarita en mano), el Caribe es lo único que verán tus ojos.

'LINGOTE DE ORO': Restaurante GOLD de DOLCE & GABBANA [link] en Milán, por crear una nueva Dolce Vita decorativa. Aquí no faltan brillos ni ladrillos. Es el café-bistrot-restaurante que los diseñadores italianos acaban de inaugurar en Via Carlo Poiro inspirándose en los 24 quilates. ¿Los materiales? Latón, vidrio dorado, acero cromado, cristal de Murano y espejos sobre paredes hechas de bloques de piedra... imagínate el lujo y el oropel resultante. Domenico y Stefano han debido vivir su propia quimera del oro al crear este interior. "El dorado es un color optimista, luminoso, lleno de energía, lujoso y que simboliza una nueva 'Dolce Vita', gusto por la belleza y placer para los sentidos", afirma el dúo. Y tanto, ayudados por el estudio +Arch y los arquitectos Ferrucio Laviani y Gianmaria Torno han diseñado un restaurante con menú italiano –arriba, fíjate en el sofá-serpiente que crea 'reservados'–, un café para picar algo –abajo, con paredes en forma de lingotes– y un bar –también abajo, todo espejo y oro– para socializar tomando cócteles. En los baños, sorpresa: paredes forradas con 'bambú gold'. El único sacrilegio: añadirle flecos dorados metálicos a las sillas que Mies van der Rohe diseñó en 1930. Es tan brillante por sí misma que no hacía falta. Debo añadir que cené estupendamente.

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MEJOR ICONO (Mueble): HOME COLLECTION de VITRA [link], por hacerme sentir incapaz de decidir qué muebles quiero para casa: ¡me gustan todos! Y no son sólo dos o tres, sino más de 50. Conocida por sus muebles de oficina, la editora suizoalemana Vitra ha extendido su sabiduría de diseño a la casa, mezclando sus reediciones de piezas icónicas del siglo XX (desde Eames a Noguchi, Panton o George Nelson) con muebles 'high-end' contemporáneos de Herzog & de Meuron, Ron Arad, los hermanos Bouroullec o Jasper Morrison. Yo montaría mi salón con las siguientes piezas: la 'Lounge-Chair' (1956) de los Eames –fue uno de mis caprichos que pagué a plazos– sobre una alfombra 'Rug' (2004, de fieltro extensible con cremalleras) de los Bouroullec, la mesita 'Guéridon' de Jean Prouvé (1949-50), el 'Park Sofá' (2004) de Jasper Morrison y la 'Wood Table' (2005) de Maarten van Severen con seis 'Panton Chair Classic' (1959-60) de Verner Panton. Si vas a servir té, que sea en las tazas de cerámica que creó Isamu Noguchi en 1952.

MEJOR CACHIVACHE DE LUJO (Objeto decorativo): JARRONES 'JONSBERG' de HELLA JONGERIUS [link] para IKEA, por unir la palabra 'versátil' al trinomio del 'bueno (en porcelana), bonito (tallado a mano) y barato (34,95€)'. En el catálogo del coloso sueco del mueble aparece como 'florero'. Yo lo uso como sujetalibros en la estantería. Un amigo lo tiene en la entrada para guardar las correas y los juguetes de una perrita, Lupe. Hojeando el 'Vogue Living' descubrí un modelo (mi favorito, el blanco con flores) formando un bodegón sobre una mesa de comedor con otros tres jarrones de distintos tamaños. Y, invitado a comer por unos colegas en un día de lluvia, nos sirvió para dejar los paraguas. Todo lo que te permitas imaginar para sus 30 cm de diámetro por 34 de alto, y por 7.000 euros menos de lo que cuestan las piezas únicas de Hella Jongerius en galerías como Moss. "Normalmente, mi trabajo lo hago en tiradas pequeñas y sale muy caro", reconoce la autora. "Quería combinar mi estilo artesano con el proceso de producción en serie y obtener lo mejor de ambos mundos. Esto fue posible gracias a que Ikea trabaja con empresas que pueden producir trabajo de artesanía de alta calidad en grandes volúmenes". ¡Un hurra por la producción en serie! Atentos: a día de ayer seguían disponibles en muchos de sus establecimientos.

MI HÉROE (Mejor Diseñador): JASPER MORRISON [link], por ser el creador todopoderoso más coherente del planeta diseño. Sus muebles y objetos, aunque sean para distintas firmas (búscalos en Cappellini, Magis o Flos), siempre terminan combinando estupendamente entre sí. Desde el juego de cubiertos hasta los boles o los utensilios de cocina. Todos de acero inoxidable. ¿Quién no ha deseado (aunque no cocine) tener esa limpia batería de cocina? Y seguro que más de uno os habéis deleitado con ese sencillo pelapatatas que no produce callo en el dedo… Yo bendigo a Jasper todos los días, su cafetera para Rowenta realmente me cambió la vida (bueno, las mañanas). Por no hablar de sus muebles, sencillos y silenciosos, sin estridencias, con las ideas muy claras (¡por fin alguien con algo claro!). No hay duda, es todo un ejemplo de pragmatismo y discreción con el único objeto de hacernos felices. Algo normal en un genio que admira a Tintín (yo también, a él y a Milú), a los geniales Tom & Jerry (se inspira viendo sus travesuras) y las películas de Jacques Tati (¿quién no ha sido feliz con las escenografías de 'Playtime', muy cercanas a la filosofía de Jasper?). Parafraseando a Van der Rohe, su trabajo es prueba de que 'menos, realmente, es más'. Y yo, después de esto... ¡quiero una casa 100% Morrison!

MEJORES CORTINAS (Hablamos de telas): 'LES TUILES' de RONAN & ERWAN BOUROULLEC para KVADRAT [link], por vestir las paredes con sensualidad y calidez. Hace unos 'blogs' (el 4 y el 7 de diciembre), mis colegas decoradores me ayudaban a analizar "el estado de las cortinas". Pero se me olvidó preguntar a los hermanos parisinos más cool. Ellos han creado unas sencillas piezas de tela comprimida y espuma (las llaman 'les tuiles', 'tejas' en francés) que se ensamblan rápida y graciosamente, formando paredes con una textura suave. Usadas en tono monocromo o con varios colores, el resultado son paredes con "estampados en 3-D y un cierto grado de complejidad visual" (los hermanos dixit). Estrenaron el invento este año en el nuevo showroom de Kvadrat, una manufactura textil danesa, en Estocolmo(pasen y vean en nuestro 'ver más fotos'). Y también lo han incluido en su último proyecto: el restaurante Textile Pavillion en el Museo de Arte Moderno Grand-Duc Jean en Luxemburgo. Allí probaron un curioso efecto: sus 'Tuiles' son un perfecto amortiguador de ruidos y gritos. ¡Una gozada de almuerzo, pues!

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry061228-105133 2006-12-28T00:00:00Z 2006-12-28T00:00:00Z
Pero sin patrocinadores no hay gala, ya sabéis... pero sí resultado de las votaciones (vale, hemos votado mis amigos y yo, pero esto es un blog, no la Academia de Cine) y los premiados estarán encantados de recibir su trofeo (Dios, se me olvidó encargárselo a Philippe Starck... aunque sea virtual) sin tener que pisar la alfombra roja y dar un discurso. Éste es mi resumen de año (decorativamente hablando), los elegidos, los mejores de 2006 por entregas, en cuatro entradas de blog, desde hoy hasta el viernes. Y el 'ladrillo de oro' goes to...

MEJOR BIBLIA (Revista de decoración): 'HOUSE & GARDEN USA' [link], por demostrar que la Alta Decoración (mayúsculas) puede ser cercana, didáctica y profunda al tiempo que entretenida. Con explicaciones, esquemas, declaraciones de los protagonistas, las mejores fotografías... periodismo de investigación (decorativo, claro) en estado puro. En un mismo número puedes entrar en casa de Chloë Sevigny, conseguir el look del Hollywood clásico con ideas inspiradas en interiores de películas o saberlo todo sobre televisores de plasma. Si no tienes regalo de Reyes para alguien especial, te recomiendo buscar el libro 'The Well-Lived Life' (Editorial Assouline) que resume en imágenes los 100 años que ya ha cumplido esta revista norteamericana.

MEJOR DIY (Do-It-Yourself): PANELES ICONIC de B&N [link], por hacer que el 'Hazlo-Tú-Mismo' es algo más reconfortante que montar (al cabo de tres horas, con discusión de pareja incluida) un mueble de Ikea. Los 'Iconic' son paneles modulares con diseños (geométricos, orgánicos) 'esculpidos' en la madera que se atornillan, se clavan o se pegan sencillamente sobre las paredes de la casa. Una perfecta terapia estética contra el gotelé. ¿Mi favorito? El modelo 'Helvetica', lleno de los icónicos números de una de las mejores tipografías del mundo.

MEJOR AVANCE DOMÉSTICO (Tecnología punta para casa): GENEVA SOUND SYSTEMS, de GENEVALAB [link], por conseguir que el 'peque' (nuestro iPod) se haga grande. Porque si pensabas que el mayor hallazgo tecnológico del siglo (gracias Apple) te había librado de tener un mega-equipo de música en casa, estabas equivocado. Y no pienses sólo en la calidad del sonido de los altavoces XL: estas cajas mágicas van lacadas en blanco cool, rojo impactante o negro piano.


]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry061228-101336 2006-12-28T00:00:00Z 2006-12-28T00:00:00Z
La cerámica ha vuelto, es la materia prima 'in' entre los grandes del diseño. Tan frágil como desorbitada (en precios y en ideas), ahora viene envuelta en el siempre exclusivo formato de la edición limitada. Verdaderas piezas de coleccionista, obras de arte para muchos. A ella le dedico la primera entrada en esta 'mi semana' (sí, esto lo he tomado de Peñafiel) dedicada a las tendencias de 2007. Te invito a que sigas mis pronósticos 'ladrilleros' hasta el viernes.

De Holanda vienen los diseñadores que están reinventando la centenaria técnica con nuevas manufacturas. ¿Te imaginas un jarrón de fina china (así llaman los ingleses a la porcelana) rematado por una vulgar cinta de embalar con las palabras FRÁGIL? ¿Y flores o dragones bordados (sí, con hilo) en un bol de cerámica? Son las piezas únicas que te entrega Hella Jongerius a cambio de 2.000 y 5.520 dólares, respectivamente, en la galería neoyorquina Moss [link].

Ella empezó el fenómeno. Y ahora ha puesto patas arriba la manufactura alemana Nymphenburg (desde 1747) modelando boles con figuras de hipopótamos, ciervos y conejitos (a más de 2.000 euros). Para suerte de nosotros sus fans, ha aflojado su mano dura para producir en serie cuatro jarrones para Ikea: los fabulosos Jonsberg [link] (30x34cm) a 34,95 euros. Claro que hay uno en mi casa, si te lo estabas preguntando...

Sin salir de Holanda, la flamenca Royal Tichelaar Makkum [link] (desde 1594) ha encargado a Job Smeets & Nynke Tynagel (Studio Job, jóvenes, capaces, mediáticos y sobradamente góticos) una vajilla blanca con decoraciones en relieve de esqueletos, espermatozoides y caniches. Extraña pero bella. Me consta (tengo mis fuentes) que Viktor & Rolf reciben en casa con ella.

Luego están quienes las convierten en objeto de culto, como el neoyorquino Jonathan Adler (¿verdad editores de AD España? ¡No sale de vuestras páginas!), creador de jarrones happy-luxe, o la suizo-canaria Helena Rohner [link], de joyera 'hip' a cotizada ceramista con tiendas en Madrid y Barcelona. Sus teteras con sensibilidad zen están muy arriba en mi lista de deseos para esta Navidad (si te lo estabas preguntando...).

En Valencia también hay revolución en los hornos: atentos al desembarco de Jaime Hayon [link] en Lladró. Este joven über-mediático es el nuevo director artístico de la Ciudad de la Porcelana (que así se llama la sede lladrodiana en Tavernes Blanques). Prepárate: vas a desear tener una figurita de ésas que volvían locas a nuestras abuelas en las BBC (bodas, bautizos y comuniones). Su colección se desvela a finales de enero.

Y por último, mi más sentido homenaje a un pionero: el ceramista francés Georges Jouve (1910-1964). Trajo el minimalismo y la pureza al diseño de los 50, creó un lenguaje propio: conos, esferas y cilindros con la vida que proporciona la imperfección de lo hecho a mano. Búscalo en anticuarios parisinos como Patrick Seguin [link] o Jousse-Entreprise [link], y témete lo peor cuando pidas el precio. Esto no hace falta que te lo preguntes: nunca podré comprarlas...


Mantente alejado de estas piezas en caso de discusión con tu pareja. Sería una pena que acaben contra la pared. Ten a mano la vajilla de Ikea.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry061219-113135 2006-12-19T00:00:00Z 2006-12-19T00:00:00Z cuatro piezas que explican por qué Italia se convirtió en la zona erógena del diseño mundial en el siglo XX.

Estoy en Piazza Castello. En el bajo de un gran edificio enfrente del Palacio Sforza, se encuentra el estudio de Achille Castiglioni. Lo primero que sorprende cuando cruzas la puerta es que el estudio sigue tal y como lo dejó. Da la sensación de que hubiera salido a tomar un expreso y hubiera colgado el cartel de "Vuelvo en 10 minutos". La segunda sorpresa: en la entrada, una vitrina en la que, a modo de gabinete de curiosidades, se apilan objetos de lo más curiosos y sin una relación aparente entre sí. Desde un viejo guante hasta unos zapatos viejos pasando por un viejo cuchillo de marinero y unas espantosas gafas de plástico. Pero estos cachivaches, que podrías encontrar en la calle tirados o en una tienda de "Todo a 100", fueron la fuente de inspiración del maestro. La cosa más simple, humilde e inútil podía convertirse en una pieza inteligente gracias al increíble ingenio de Castiglioni.

Irma me explica la relación entre unas chanclas y una butaca, entre un vaso de pescador y una lámpara, entre un juguete y una lata de cerveza. Y pacientemente, va desgranando el origen "humilde" de cada uno de los objetos que pueblan el estudio. Desde los más conocidos, como las lámparas "Snoopy", "Arco" (inspirada en una farola) o "Toio" (que recuerda a las luces de un coche) hasta los menos, como los interruptores (no hay casa italiana que no tenga uno) creados por Castiglioni en 1968. También me enseña las tres habitaciones reconstruidas por Castiglioni para "disfrute" público. Una de ellas muestra la visión del maestro de cómo se vivía en el siglo XX. Un manual de estilo en el arte de la combinación. Irma sigue hablando... Es como si Castiglioni siguiera entre nosotros.

Todo empezó en 1944, después de la Segunda Guerra Mundial. Achille Castiglioni se une a sus hermanos Pier Giacomo y Livio (que trabajaban juntos desde 1930) en su estudio de la Piazza Castello de Milán. En 1952 Livio abandona el estudio y Pier Giacomo y Achille continúan trabajando juntos. Hasta la muerte del primero en 1968, ambos trabajarían codo con codo en multitud de diseños que aún hoy siguen levantando pasiones (las lámparas Arco, Parentesi o Toio). Achille siguió su trayectoria en solitario sin abandonar una de sus máximas: "Empieza de cero. Sigue a tu sentido común. Conoce tus medios y tus objetivos". Y así creó más de 150 objetos, algunos de los cuales han merecido estar en las colecciones de diseño de muchos museos (las lámparas Arco y Brera).

ESTUDIO - MUSEO ACHILLE CASTIGLIONI. T. +39 02 7243 4231.


PIE DE BLOG: La visita al estudio museo de Achille Castiglioni fue una de las mejores experiencias de Milán. Tuve la inmensa suerte de que fuera Irma Castiglioni quien me lo enseñara. Conoce cada detalle y cada pequeña historia de todos y cada uno de los objetos que "el maestro" creó.


]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry061212-190502 2006-12-12T00:00:00Z 2006-12-12T00:00:00Z a todos acabé por dejar por mi última pasión: Jean Prouvé (París 1901 - Nancy 1984).

¿Quién es Jean Prouvé? Los libros de arquitectura le dedican muy pocas líneas (¡vamos, que casi aportan más las Páginas Amarillas!). Él se definía como constructor. Le Corbusier lo llamaba el 'arquitecto ingeniero'. Su formación nos despista un poco más: herrero. Un personaje que dedicó toda su vida al diseño de edificios prefabricados y muebles. Que buscó respuestas lógicas a las funciones deseadas y con los medios disponibles. Que cayó en el olvido. Sobre todo en los estilizados 60 (la lógica de este parisino no iba acorde con los cánones de la época). Los 90 fueron más benévolos. Abrazaron las virtudes de simplicidad y racionalismo que caracterizaban el trabajo del francés. Prouvé pasó de ser un simple industrial a convertirse en la 'star' de las subastas. Todo un tesoro para los coleccionistas. Jean Prouvé fabricó miles de sillas, mesas y puertas para escuelas, hospitales y barracones a lo largo de Francia y sus colonias, que hoy decoran exclusivos lofts en las ciudades más vanguardistas del momento.

La 'Prouvemanía' alcanzó la cima con la venta de dos puertas, hace un par de años, en la prestigiosa casa de subastas Sotheby’s por 680.000 dólares. Las firmaba Jean Prouvé. Posiblemente el herrero se hubiera caído de una de sus sillas al ver esta cifra. Dinero suficiente para no tener que cerrar (por bancarrota) 'Ateliers Jean Prouvé' (1929-1952), una factoría que el artista abrió para elaborar muebles a partir de componentes y materiales industriales. Si hoy siguiera abierta, posiblemente estaría desbordada.

Tengo una cita amorosa (bueno, casi una orgía) en Weil am Rhein (Alemania). El Vitra Museum Design reúne para mí (y para vosotros) una gran retrospectiva de la obra del herrero artístico, constructor e industrial realizada entre 1924 y mediados de los 70. Se titula 'Jean Prouvé. La poesía del objeto técnico' y se puede ver hasta el 28 de enero.
Una confesión: prometo seguir siendo infiel.


PIE DE BLOG: Déjate seducir por Jean Prouvé. Tienes dos opciones: comprar un original en la Galería de Patrick Seguin (posiblemente tengas que pedir una segunda hipoteca); o bien, adquirir las reediciones (que no serán antigüedades pero sí siguen los principios de Prouvé) de Rolf Fehlbaum, dueño de la fábrica de mobiliario Vitra y poseedor de los derechos de reproducción de la obra del artista.

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Viajamos a Kobe (Japón) a la apertura de una nueva tienda. Nos situamos enfrente del número 38 de una anodina y deprimida calle. Y empieza jugando al despiste. No busques ni grandes escaparates ni grandes letreros. Una sencilla placa te indica la primera sorpresa: la entrada está situada en la parte trasera. Te encuentras con una impactante escalera (esta es la segunda). Si hubiéramos conseguido una entrevista con Rei -le dan alergia- nos hubiera contado que lo que tenía en la cabeza cuando la vio por primera vez era una escalera roja, dorada y de mármol, rematada con una araña de luces doradas. Su deseo se hizo realidad. Eso sí, sin pasar por el pico y la pala ni dejando la VISA tiritando. Las paredes se han vestido con grandes fotos gigantes (los pixeles son parte del encanto, la diseñadora habla del Puntillismo) del Palacio Dolmabahçe de Estambul. El juego continua en el primer piso. Ahora le toca el turno a las adivinanzas. ¿Dónde estamos? Gracias a Photoshop, aterrizamos en el Palacio Gangi de Palermo. Un truco para agrandar el espacio (fue idea de su marido) es agujerear (literalmente) las paredes de las distintas habitaciones que están dispuestas -siguiendo la tradición francesa del siglo XVIII - en hilera.

Un uso doméstico de esta genialidad de Rei: forra alguna de las paredes de una habitación con una fotografía ampliada de un espacio suntuoso. Enfrente, para hacerlo más escenográfico, una pared con espejo. Resultado: podrás vivir en un espacio de arañas de cristal, terciopelos y ricas boiseries.



PIE DE BLOG: No tengáis envidia. Mi viaje también ha sido virtual. Os invito a conocer la tienda a través del álbum. Por cierto, el perfume que uso y con el que más éxito he tenido es el "2 de Comme des Garçons" (Made in Puig).


]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry061031-203807 2006-10-31T00:00:00Z 2006-10-31T00:00:00Z Julian ha denominado al estilo que quiere imponerse al principio del siglo XXI como "Bohemian Chic". Y la crítica ha preferido llamarlo "Gran Chic" -los más devotos- , y los otros se han aventurado a definirlo como "excess chic". Hablamos del Gramercy Park Hotel, el nuevo templo de peregrinación de la moda de Nueva York.

Schnabel confiesa que deseaba que cualquiera que traspasara la puerta de este hotel se sintiera como en el estudio de un artista; la realidad es otra. Cuando cruzas su marquesina llena de bombillas al estilo Broadway y la puerta giratoria de metal, te conviertes en un personaje de la "Edad de la Inocencia" (me pido ser Daniel Day-Lewis). Cualquier vestigio de modernidad queda prohibido. Las chimeneas siempre encendidas; las lámparas, de grandes proporciones, inspiradas en modelos venecianos; y las camas, tapizadas en terciopelo y rematadas con bordados y tachuelas, descendientes de los modelos españoles del siglo XVIII, te hacen viajar, por momentos, desde un Palazzo italiano a un warehouse londinense.
Ni los números de las habitaciones, estampados directamente sobre la moqueta color burdeos (nota: las paredes, puertas y techos también son de este color), ni los cuadros de Schnabel a lo Picasso, es lo que más impacta. Lo verdaderamente extraordinario es la utilización de colores profundos -verde oliva, azul cobalto o carmín- en las habitaciones. La paleta cromática proviene de los cuadros del maestro Rafael.

PIE DE BLOG: La verdadera revolución que está promoviendo Ian Schrager es la vuelta a las antiguas formas en el servicio. Conserjes y camareros - prohibido mayores de 25 años- tienen las maneras de los viejos mayordomos ingleses y la apariencia de modelos de pasarela. El eslogan podía ser: 24 horas a tu servicio. Por cierto, SJP es Sarah Jessica Parker para los neoyorquinos.

]]> http://www.canoestudio.com/blog/index.php?entry=entry061016-150954 2006-10-16T00:00:00Z 2006-10-16T00:00:00Z Crear tu refugio no es sufrir. Este blog puede ser un manual para mostrarte que en cualquier apartamento (soluciones habitacionales y minipisos incluidos) pueden llevarse a cabo aventuras de alta decoración. Debes estar preparado para romper las reglas (de vez en cuando), confiar en tu instinto (siempre) y saber que tus errores pueden ser tus principales inspiraciones. Asume la imperfección: está bien si no está terminado. Una casa siempre es un proceso en marcha.

Me llamo Jesús Cano, tengo 38 años, soy diseñador y desde hace 12 años escribo sobre decoración y diseño. Me aburro si no cambio los muebles de sitio en casa cada cierto tiempo y siempre busco maneras de 'darle una vuelta' a cada habitación. Leo muchas revistas de decoración, moda y arquitectura (incluso trabajo para unas cuantas). Cuando empecé a escribir amaba el diseño por encima de todas las cosas (mi primer artículo para 'El Magazine' de El Mundo trataba sobre los best-seller del diseño español allá por 1994) y huía de los rastros y los anticuarios. Hoy moriría por una cómoda estilo Carlos IV para combinar con mis sillas años 50 rescatadas de un contenedor y mi casa no sería la misma sin el toque artesano de una alfombra marroquí o una vajilla blanca de cerámica popular. Hay que ver lo que cambia uno en 10 años.

Aún así, hay máximas decorativas que nunca cambian. Anota unas cuantas:

1. El amarillo huevo ha muerto como color base para las paredes.

2. Nunca elijas las telas inspirándote en las combinaciones de catálogos que proponen las editoras textiles.

3. Los españoles iluminamos mal. Abusamos de los halógenos (sobre todo nos gustan en pasillos y baños) y nos olvidamos de las cálidas lámparas de mesa.

4. El estilo 100% enciclopedia está prohibido. Si te gusta el romántico inglés, por favor añádele lámparas contemporáneas. Y si eres minimal, rescata algún mueble de tu abuela.

5. No pienses que el sofá es la inversión de tu vida. Dentro de cinco años te apetecerá otra cosa. Una casa siempre está en transformación.

6. Hojea las revistas de decoración, pero no intentes copiar tal cual. Coge de una casa la manera de enmarcar las fotos y de otra la combinación de colores. Crea tu propio look.

7. No temas mezclar estilos: Luis XVI y Eero Saarinen nunca se conocieron, pero seguro que se caerían fenomenal. Déjales que se muevan a su aire por tu apartamento.

8. Y aunque suene a contradicción, en decoración no hay máximas: no siempre las cortinas deben arrastrar ni los visillos son de clase B.

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